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An-Laurence est une artiste et guitariste vivant à Montréal et œuvrant en musique nouvelle et arts multimédia.

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An-Laurence is an artist and guitarist living in Montreal and working in new music and multimedia arts.

Chloe Ziner est directrice.eur, artiste multidisciplinaire, interprète et co-fondatrice.eur de ‘’Mind of a Snail Puppet Co.’’. Avec ce projet, iel a passé les 15 dernières années à co-créer et à tourner dans des théâtres d’ombre au Canada, aux États-Unis et à Taiwan. Iel a gagné des dizaines de prix dans plusieurs festivals pour les spectacle ‘’Against Gravity’’, ‘’Caws and Effect’’ et ‘’Curious Contagious’’ et son dernier spectacle ‘’Multiple Organism’’ a remporté le prix ‘’Jesse Richardson Critic's Choice innovation’’ en 2018. Iel dirige également les marionnettistes, clowns et comédiens physiques Aaron Malkin ‘’Thunderfoot’’, Isabelle Kirouac & Nayana ‘’Fielkov’s Habitats’’, Candice Curlypaws ‘’Make a Mistak’’, Devon More ‘’Hits Like a Girl’’ et ‘’The ASSEMBLY clown collective’’. Ziner a étudié le style Pochinko avec David Murray Smith, le masque avec Gina Bastone, le Bouffon avec Nathaniel Justiniano et Deanna Fleysher et a fait des ateliers d’interprétation et d’improvisation avec Raina von Waldenburg (I Am One Who/Grotowski), David Diamond (Theatre for Living), Ruth Zaporah (Action Theatre) & Mary Overlie (Viewpoints). Ziner joue une douzaine d’instruments musicaux.

L’approche de Ziner en tant que directrice.eur est claire et collaborative, avec un sens de la curiosité autour de l’émotion corporelle et des changements rythmiques et temporels. Iel amène également une connaissance pratique des éléments techniques de la conception d’une production: l’éclairage, le son et l’utilisation de l’espace.

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Chloe Ziner is a director, multi-disciplinary artist, performer and co-founder of Mind of a Snail Puppet Co. For the last 15 years with Mind of a Snail, they have co-created and toured shadow theatre performances in Canada, USA and Taiwan. They have won dozens of awards at fringe festivals for their shows Against Gravity, Caws & Effect & Curious Contagious as well as their latest show Multiple Organism which also won the Jesse Richardson Critic’s Choice Innovation Award in 2018. They also are a director/coach for puppetry, clown & physical comedy, including Aaron Malkin’s Thunderfoot, Isabelle Kirouac & Nayana Fielkov’s Habitats, Candice Curlypaws’ Make a Mistak, Devon More’s Hits Like a Girl and The ASSEMBLY clown collective. They have studied Pochinko-style clowning with David MacMurray Smith, mask with Gina Bastone, Bouffon with Nathaniel Justiniano and Deanna Fleysher as well as workshops in performance & improvisation with Raina von Waldenburg (I Am One Who/Grotowski), David Diamond (Theatre for Living), Ruth Zaporah (Action Theatre) & Mary Overlie (Viewpoints). They can also play around a dozen different musical instruments.

Chloe’s approach to directing is collaborative and clear, with a sense of curiosity around emotional embodiment and shifting rhythms and timing. They also bring a practical knowledge of the technical elements of design to the production: light, sound, and use of space.

Vantée pour son côté créatif puissant et unique (Badener Zeitung) et son incroyable voix colorature (Opera Canada) la soprano canadienne Dory Hayley s’est produite en solo avec le Vancouver Symphony, le Bourgas Symphony, le Allegra Chamber Orchestra, l’ensemble Turning Point et le Capriccio Basel et a donné des récitals en Europe, en Asie et en Amériques du nord et du sud. Elle a performé dans les festivals Sonic Boom (Vancouver), le Happening Festival (Calgary), Gulangyu Music Festival (China), Performer’s Voice Symposium (Singapore), New York City Electroacoustic Music Festival, Nuit d’Atempo (Paris) et le Atempo Festival (Caracas) et avec les organismes la SMCQ, Chants libres, CIRMMT, Codes d’accès, Vancouver New Music, le Little Chamber Series That Could, et l'ensemble Land’s End. Interprète enthousiaste de musique nouvelle, elle a travaillé avec les compositeurs Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Diógenes Rivas et Jordan Nobles et a créé de nombreuses oeuvres et rôles, notamment le ‘’Omnis Temporalis’’ de Mark Haney et le ‘’Diagnosis Diabetes’’ de Michael James Park. Hayley est membre du Erato Ensemble, du duo Broadway, du duo Hayley-Laufer et est artiste fondatrice et co-directrice du ‘’Blueridge Chamber Music Festival’’.

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Praised for her “very personal creative power” (Badener Zeitung) and her “amazing coloratura skills” (Opera Canada), Canadian soprano Dorothea Hayley has been a soloist with the Vancouver Symphony, the Bourgas Symphony, the Allegra Chamber Orchestra, the Turning Point Ensemble, and Capriccio Basel, and has appeared in recital in Europe, Asia, and North and South America. She has performed in festivals such as Sonic Boom (Vancouver), the Happening Festival (Calgary), Gulangyu Music Festival (China), Performer’s Voice Symposium (Singapore), New York City Electroacoustic Music Festival, Nuit d’Atempo (Paris) and the Atempo Festival (Caracas), and with organizations like the SMCQ, Chants Libres, CIRMMT, Codes d’accès, Vancouver New Music, the Little Chamber Music Series That Could, and the Land’s End Ensemble. An enthusiastic performer of contemporary music, she has worked with composers such as Helmut Lachenmann, Georges Aperghis, Diógenes Rivas, and Jordan Nobles, premiered countless new works, and created roles in Mark Haney’s Omnis Temporalis and Michael James Park’s Diagnosis Diabetes. She is a member of the Erato Ensemble, the Broadwood Duo, and the Hayley-Laufer Duo, and is the founding Artistic Co-Director of the Blueridge Chamber Music Festival.

Dustin Finer (CA/É-U) est un saxophoniste ténor, improvisateur, pédagogue et compositeur auquel on attribue une ‘’patience cosmique’’ (Earmilk), basé à Montréal. Selon Ride the Tempo, il assure la technique du saxophone ténor ‘’brillamment et donne la chair de poule’’. Artiste sur la limite des genres, il performe avec le duo audiovisuel DF aux côtés du concepteur d’éclairage Daniel Freder, il dirige le quatuor Success Pistols et il improvise avec le concepteur sonore électronique Patrick Haggart. Il a créé des oeuvres dans plusieurs festivals, dont le Festival de musique nouvelle de Montréal (2019), au Centre de recherche interdisciplinaire en musique, média et technologie (2019), lors de la conférence internationale sur les technologies pour la notation musicale et la représentation (2018) et lors de la Biennale de Montréal (2016). Il a été sélectionné comme compositeur en résidence pour le ‘’Indeterminacy Festival’’ (2020) et le Laboratoire de musique de nouvelle de Montréal (2019). Dustin s’est joint à de nombreux artistes indie incluant: Fred Thomas, Common Holly, Raveen, Look Vibrant, The Lyonz, Justin Wright, and Nick Schofield Ambient Ensemble. Il a donné des causeries et a performé partout au Canada et aux États-Unis et a reçu des bourses de production d’albums de ses oeuvres.

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Dustin Finer (CA/USA) is a Montreal-based tenor saxophonist, composer, improviser, and teacher who is said to compose with a “cosmic patience” (Earmilk) and perform “saxophone techniques [that] are brilliant and goosebump inducing” (Ride the Tempo). A frequent collaborator across genre boundaries, he plays in the audiovisual duo DF alongside interactive lighting designer Daniel Freder, leads the avant-minimalist quartet Success Pistols, and improvises with electronic sound designer Patrick Haggart. He has given world premieres at locales including the Montreal New Music Festival (2019), Centre for Interdisciplinary Research in Music Media and Technology (2019), International Conference on Technologies for Music Notation and Representation (2018), and Montreal Biennale (2016). He was selected as a composer-in-residence for the Indeterminacy Festival (2020) and the Montreal Contemporary Music Lab (2019). Dustin has also performed and toured with numerous indie acts including Fred Thomas, Common Holly, Raveen, Look Vibrant, The Lyonz, Justin Wright, and Nick Schofield Ambient Ensemble. Dustin has given a TED Talk, performed throughout Canada and the United States, and received grant funding to produce recordings of his compositions.

Gabrielle HB est une artiste sonore de Montréal. Elle utilise la voix, les synthétiseurs et les paysages sonores comme principaux matériaux de composition. À travers son travail (musique improvisée, électroacoustique, installation, chanson), elle encourage des états attentifs, disponibles et sensibles. Elle a étudié le jazz et les musiques numériques à l’Université de Montréal, et elle termine une maîtrise en art sonore au University of the Arts à Londres.

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Gabrielle HB is a sound artist from Montreal. She sings, plays synthesisers, does field recording and writes textscores to generate music. She improvises on stage and composes for contemporary musicians and dancers. She is mainly interested in consciousness and searches ways to access more subtlety, slowness and care. She holds a postgraduate diploma in Digital Music from Université de Montréal and is completing an MA Sound Arts at University of the Arts in London.

Depuis les années 70, Reitzenstein et Young collaborent ensemble présentant leurs oeuvres dans des galeries d’art visuel et dans des environnements extérieurs. Ils apprécient la physicalité du son et interagir avec des objets résonnants.

Young conçoit et construit ses propres instruments, qu’elle enregistre à l’aide de résonateurs accordés à certaines fréquences et performe en utilisant une combinaison de sons.

Reitzenstein construit des sculptures en bronze, en pierre et en arbres inversés et a créé plusieurs œuvres publiques permanentes. Il enseigne à SUNY, Buffalo, où il dirige le programme de sculpture depuis 2000.

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Reitzenstein and Young have collaborated on sound installations since the late seventies, often presenting in visual art galleries and outdoor environments. They enjoy the physicality of sound and interacting with resonating objects.

Young designs and builds her own instruments, records through tuned resonators, and performs with these sounds in combination. She composes for orchestral instruments and electronics, and has written extensively about adventurous sound practices.

Reitzenstein builds sculptures using bronze, stone, inverted trees, and has created many permanent public art commissions. He teaches at SUNY, Buffalo where since 2000 he has been the Director of the Sculpture Program.

Ivetta Sunyong Kang est une artiste interdisciplinaire visuelle/vidéo et écrivaine, basée à Montréal, Canada. Sa pratique s’étend du cinéma élargi, à l’art vidéo, à la sculpture vidéo, au texte et à l’interprétation. Elle a étudié la direction cinématographique en Corée du sud et a obtenu son MFA en Production filmographique à l’Université Concordia. Elle a présenté internationalement ses courts métrages et ses vidéos lors de festivals et dans des galeries, incluant le festival international du film Jeon-Ju en Corée du Sud, le festival international du film féminin de Chennai en Inde, à la galerie Leonard et Bina Ellen, au MAI de Montréal ainsi qu’au SomoS Art House de Berlin en Allemagne. En 2016, elle fut nominée au prix Simon Blaise, Canada. Elle a tout récemment publié un recueil de poésie intitulé ‘’Absent Seats’’. Kang est co-fondatrice du collectif d’artistes ‘’Quite Ourselves’’, qui expérimente avec l’interventionnisme public et qui recherche des lieux alternatifs pour des présentations artistiques, des expositions et des rassemblements. Elle est également membre du duo CCVX?, formé par elle-même et Eric You, qui offre des interprétations improvisées audio/vidéo produite avec des archives audio/vidéo.

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Ivetta Sunyoung Kang is an interdisciplinary visual/video artist and writer, currently based in Montreal, Canada. Her practice is concerned with expanded cinema, video art, video sculpture, text, and performance. She studied film directing in South Korea and has obtained her MFA in Film Production at Concordia University in Canada. She has internationally presented short films and videos at film festivals and galleries, including at Jeon-Ju International Film Festival in South Korea, Chennai International Women Film Festival in India, Leonard and Bina Ellen Gallery and M.A.I. in Canada, and at SomoS Art House, Berlin, Germany. In 2016, Kang was shortlisted for the Simon Blaise Award in Canada. She recently published a poetry book entitled Absent Seats. Kang is a co-founding member of an artist collective, called Quite Ourselves, and an A/V duo called CCVX?. Quite Ourselves experiments with public interventionism in search of alternative spaces for artistic presentation, exhibition, and gathering. Whereas, CCVX? presents improvisatory A/V performances that are produced with found and long-archived A/V footage. The duo is composed of Ivetta Kang and Eric You.

Originaire des Pays-Bas, j’ai traversé l’océan Atlantique en 2005 pour vivre et travailler à Montréal. J’ai un baccalauréat en arts visuels et en arts performatifs.

Je tire mon inspiration de thèmes universels tels que le patrimoine, la famille, la démocratie, la guerre et les politiques d'exclusion.

Je travaille avec diverses disciplines : performance, mouvement, monologue, manipulation d’objets, improvisation et art visuel.

Il est important pour moi de me surprendre au cours de mon processus et de partager avec les participants cet excitant sentiment qu’est l’inattendu. Créer une intimité, entretenir une confiance et révéler ce qui dérange sont essentiels à ma pratique.

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Originally from the Netherlands, I crossed the Atlantic Ocean in 2005 to live and work in Montréal. I have a bachelor’s degree in visual arts and performance arts.

I draw inspiration from universal themes such as heritage, family, democracy, war, and the politics of exclusion.

I use a variety of media: performance, movement, monologue, object manipulation, improvisation, visual art.

It is important to me to surprise myself in my process and to share this exciting feeling of the unexpected with the participants. Creating intimacy, garnering trust, and revealing the unsettling are critical to my practice.

Kimia Koochakzadeh-Yazdi (b. 1997 Tehran, Iran), explore l’étrange et le familier tout en étant constamment stimulée par le mécanisme du psyché humain, cherchant des manières de le manipuler. Basée à Vancouver, la compositrice/interprète travaille avec de petits ensembles et électroniques, en plus de la musique électroacoustique comme pratique personnelle.

Son travail a été présenté dans des festivals tels: New Music on the Point (Vermont, USA), wasteLAnd Summer Academy 2019 (Los Angeles, USA), EQ: Evolution of the String Quartet (Banff, Canada), Modulus Festival (Vancouver, Canada) et SALT New Music Festival (Victoria, Canada). Elle a également été présentée par des organisations artistiques incluant: Western Front, Music on Main, Media Arts Committee et Vancouver New Music. Elle est présentement l’artiste émergente de l’année 2020 à "Music on Main".

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Kimia Koochakzadeh-Yazdi (b. 1997 Tehran, Iran), explores the unfamiliar familiar while constantly being driven by the mechanism of the human psyche and exploring ways to manipulate it. The Vancouver based composer/performer works with small ensembles and electronics, as well as electroacoustic music as an individual practice.

Her work has been featured in festivals such as New Music on the Point (Vermont, USA), wasteLAnd Summer Academy 2019 (Los Angeles, USA), EQ: Evolution of the String Quartet (Banff, Canada), Modulus Festival (Vancouver, Canada) and SALT New Music Festival (Victoria, Canada). She has been presented by art organizations including Western Front, Music on Main, Media Arts Committee and Vancouver New Music. She is currently Music on Main’s Emerge on Main’s 2020 artist.

Émilie Fortin et Pat McMaster sont des artistes et improvisatrix interdisciplinaires basés à Montréal. Fluxus. AGES est leur première collaboration ensemble.

Pat McMaster est un artiste interdisciplinaire qui travaille principalement dans le domaine électroacoustique, tant en interprétation qu'en composition. En collaborant avec des intelligences humaines et artificielles, son travail s'efforce de mêler une musicalité expressive, une technologie innovante et un esprit d'improvisation.

Émilie Fortin est une musicienne et enseignante passionnée qui désire repousser les limites techniques de la trompette et renouveler l’expérience de concert traditionnelle. Cherchant constamment à enrichir le répertoire de son instrument, elle a participé à la création de plus d’une trentaine d’œuvres internationalement, tant en solo qu’en ensemble. Elle est également la directrice artistique du collectif de solistes Bakarlari depuis 2018, qui se dédie à la musique contemporaine et de création.

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Émilie Fortin and Pat McMaster are cross-disciplinary artists and improvisers based in Montreal. Fluxus.AGES is their first collaboration together.

Pat McMaster is an interdisciplinary artist who works primarily in electroacoustic performance and composition. Collaborating with both human and artificial intelligences, his work strives to blend expressive musicianship, innovative technology, and an improvisational spirit.

Émilie Fortin is a passionate musician and teacher working to push the technical limits of the trumpet and redefine the traditional concert experience. Always seeking to enrich the repertoire of her instrument, she has participated in the creation of more than thirty works internationally, both solo and as part of a wide-range of ensembles. She is also the artistic director of the soloist collective Bakarlari which is dedicated to contemporary and creative music, formed in 2018.

Sarah Tracy est une créatrice de théâtre et costumière historique basée à Toronto. Elle est co-commissaire du Café Concret (MTL) et du Concrete Cabaret (TO), présentant des soirées de marionnettes expérimentales et de théâtre d'objets. Ses pratiques artistiques actuelles explorent le théâtre basé sur la technologie, en utilisant des machines d'effet de lumière et de son telles que des projecteurs de diapositives / vidéo, des pédales d'effet et des instruments architecturaux spécifiques au site en tant que personnages pour offrir une expérience de narration concret.

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Sarah Tracy is a theatre creator and historic costumer. Current artistic practices explore technology-based theatre, using light and sound effecting machines and site-specific architectural instruments as characters to offer a medium-based story-telling experience. She is a co-curator of Café Concret (MTL) and Concrete Cabaret (TO), presenting evenings of experimental puppetry and performing object theatre.

Weronika Zalewska fait sa formation autonome à l’école des arts KASK, à Ghent. Elle étudie présentement les arts médiatiques à l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie, Pologne. Dernièrement, une partie significative de son travail est née de projets collectifs, sensuels, générés de pair avec le collectif ‘’School of Love’’, une plateforme qui investigue les modes possibles de l’amour politique dans les arts institutionnels; investiguant les alternatives expérimentales aux exclusions existantes. "Syntrofi", une performance sur l’heure du midi qui à trait au privilège présenté lors du premier "Women and Children festival" du Centre des arts Vooruit, en est un bon exemple: un repas soigneusement sélectionné est servi dans une institution et en étudiant sa forme, son goût, son histoire et son audience, on crée un miroir allégorique intime de l’institution, ceci dans le but d’étudier ses tendances à travers le processus de décolonisation des institutions.

Weronika est aussi très occupée par la connexion de la pratique du corps avec les interventions et les installations routières. Le situationnisme est profondément ancré dans son mouvement quotidien et les sujets comme les tensions du paysage urbain, la gentrification, la décroissance, la futurologie et la nature/culture sont parmi ses plus grands intérêts.

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Weronika Zalewska is student of Autonomous Forming at KASK School of Arts, Ghent; currently studying at Media Arts at the Academy of Fine Arts in Warsaw on a full-year exchange. In recent years, a significant part of her art practice grew from collective, sensuous projects generated together with School of Love collective- a platform which investigates the possible modes of political love in art institutions; investigating experimental alternatives to the existing exclusions. Syntrofi, a lunch-performance regarding privilege, presented during Women and Children First festival at Vooruit Art Centre was one of such examples. Investigating the tramps and trends in the decolonising processes of institutions, they have designed a meal, which- through it’s form, taste, stories and audience- weaved an intimate, allegoric mirror to the institution.

Additionally, she has been strongly busy with the connection of body practice with street interventions and installation. Situationism is deeply embedded in my daily movement, and subjects such as the tensions of urban landscape, gentrification, de-growth, futurology and nature/culture are in her prominent interests.